Le pop art n’est pas né à New York. Il vient de Londres, au début des années 1950, dans un groupe de jeunes artistes et critiques qui se réunissaient à l’Institute of Contemporary Arts pour parler de publicité américaine, de bandes dessinées et de science-fiction. C’est là que tout a démarré, avant que le mouvement ne traverse l’Atlantique et ne produise les figures que tout le monde connaît aujourd’hui.
L’Independent Group : là où le pop art a pris forme
En 1952, un groupe informel se constitue autour de l’ICA (Institute of Contemporary Arts) de Londres. Il réunit des peintres, des sculpteurs, des architectes et des critiques d’art sous le nom d’Independent Group. Parmi eux : Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi, Lawrence Alloway et les architectes Alison et Peter Smithson.
Ce qui les rassemble, c’est un intérêt commun pour la culture populaire américaine que l’Europe découvre à l’époque : magazines, publicités, appareils électroménagers, films, emballages. Ils y voient un matériau artistique que l’art traditionnel ignore complètement. Alloway, critique dans le groupe, est l’un des premiers à utiliser le terme « pop art » pour désigner cette démarche, vers 1954-1955.
Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi, les deux fondateurs
Paolozzi est techniquement le premier. Dès 1947, il réalise le collage I Was a Rich Man’s Plaything, aujourd’hui à la Tate Gallery de Londres. La pièce intègre une pin-up, une bouteille de Coca-Cola et le mot « pop » découpé dans un magazine. C’est considéré comme l’un des tout premiers exemples du proto-pop art britannique.
Hamilton, lui, pousse la démarche vers quelque chose de plus systématique et théorique. En 1956, il crée le collage Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing? pour l’exposition « This is Tomorrow » à la Whitechapel Gallery de Londres. Cette petite pièce de 26 sur 24 centimètres, constituée d’images découpées dans des magazines américains, est aujourd’hui citée comme l’œuvre fondatrice du mouvement.
Hamilton définit le pop art dans une lettre de 1957. Sa liste est restée célèbre : un art populaire, éphémère, consommable, peu coûteux, produit en masse, jeune, spirituel, sexy, glamour et « big business ». Cette définition servira de référence à toute la génération suivante.
Peter Blake et la vague britannique des années 1960
Né en 1932, Peter Blake appartient à la génération qui arrive juste après Hamilton et Paolozzi. Sa peinture est plus directe, moins intellectuelle. Il puise dans les magazines de jeunesse, les affiches de music-hall, les images de la famille royale, les cirques. Son style se distingue des autres pop artists britanniques par une certaine nostalgie pour la culture populaire ordinaire.
Il participe en 1961 à l’exposition « Young Contemporaries » avec David Hockney et R.B. Kitaj, qui marque l’arrivée du pop art britannique aux yeux du grand public. Mais c’est six ans plus tard qu’il atteint sa notoriété la plus large : en 1967, les Beatles lui commandent la pochette de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, devenue depuis une image incontournable de la culture des années 1960.
David Hockney, formé au Royal College of Art, développe de son côté un pop art très personnel, ancré dans l’autobiographie et le quotidien. Il devient l’une des figures les plus suivies du pop art britannique sans jamais se réduire à ses codes.
Quand le pop art traverse l’Atlantique
Le pop art américain ne copie pas le modèle britannique. Il se développe de façon parallèle, avec une ambiance différente. Là où les Britanniques regardent la culture américaine avec une certaine distance ironique, les artistes new-yorkais sont dedans. Ils n’observent pas la société de consommation depuis l’extérieur : ils en sont le produit direct.
Le foyer du mouvement aux États-Unis, c’est New York. Les premières expositions significatives se tiennent à partir de 1962, notamment « The New Realists » à la Sidney Janis Gallery en octobre de la même année, qui réunit pour la première fois à grande échelle des artistes comme Lichtenstein, Warhol ou Claes Oldenburg.
Andy Warhol
Andy Warhol naît en 1928 à Pittsburgh dans une famille d’immigrants slovaques. Il étudie le graphisme, s’installe à New York en 1949 comme illustrateur pour des magazines comme Vogue ou The New Yorker, réalise des décors de vitrines pour de grands magasins. Ce parcours commercial nourrit directement son art.
En juillet 1962, il expose 32 peintures représentant les 32 variétés de soupes Campbell à la galerie Ferus de Los Angeles. Les toiles sont présentées sur des moulures blanches horizontales qui imitent des étagères de supermarché. C’est sa première exposition majeure en galerie. Il dira plus tard : « J’en mangeais. J’ai fait tous les jours le même repas de midi pendant vingt ans. »
La même année, Marilyn Monroe meurt en août. Warhol travaille à partir de la photographie promotionnelle du film Niagara de 1953 pour réaliser le Diptyque Marilyn : 50 portraits répétés, dont la moitié en couleur et l’autre en noir et blanc. La répétition est sa technique de prédilection, transférée via la sérigraphie. Elle touche à la fois aux biens de consommation produits en masse et à la question de la célébrité comme image fabriquée.
Son atelier, The Factory, installé à New York, devient un lieu de passage pour des artistes, musiciens et acteurs. Warhol y travaille avec des assistants pour produire ses œuvres en série, remettant directement en question l’idée d’une œuvre d’art unique. Il mourra le 22 février 1987, des suites d’une opération de la vésicule biliaire.
Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein naît en 1923 à New York. Sa première œuvre véritablement pop, Look Mickey, date de 1961. L’image est tirée d’un livre illustré pour enfants : Mickey Mouse et Donald Duck en train de pêcher. C’est le point de départ d’une carrière entièrement tournée vers la bande dessinée et la publicité.
Sa signature, ce sont les points Ben-Day : ces petits ronds réguliers qui reproduisent à la main la trame d’impression des comics. Il copie les images source à la main, les modifie, les projette sur la toile. Le résultat ressemble à un agrandissement mécanique d’une vignette de journal, mais chaque trait est calculé et repensé.
En 1962, sa première exposition personnelle à la galerie Leo Castelli à New York est un succès immédiat. Ses œuvres les plus connues restent Whaam! (1963), Drowning Girl (1963) et Look Mickey. En 1964, le magazine Life pose la question de savoir s’il est « le pire artiste des États-Unis ». Son Nurse de 1964 se vendra environ 95 millions de dollars en 2015. Il meurt en 1997.
Keith Haring, James Rosenquist et les autres
Keith Haring naît en 1958 à Reading, en Pennsylvanie. Il commence sa carrière à New York en dessinant à la craie sur les panneaux publicitaires vides du métro, des œuvres éphémères et gratuites vues chaque jour par des milliers de personnes. Son style repose sur des personnages schématiques, des lignes d’énergie, des figures répétées. Radiant Baby et Barking Dog sont ses motifs les plus reconnaissables. Il meurt du sida en 1990 à 31 ans.
James Rosenquist, Tom Wesselmann, Claes Oldenburg et Robert Indiana complètent la scène américaine. Rosenquist s’inspire directement de son expérience de peintre en bâtiment sur des panneaux publicitaires géants à Times Square. Oldenburg, lui, est connu pour ses sculptures monumentales d’objets du quotidien : pinces à linge, hamburgers, trombones. Robert Indiana reste surtout associé à son œuvre LOVE de 1964, reproduite sur des millions de supports.
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Les caractéristiques techniques du pop art
Le pop art se reconnaît à plusieurs traits visuels constants, même si les artistes du mouvement ne constituent pas un groupe uni avec un programme commun.
Les couleurs sont franches, saturées, souvent aplaties sans dégradé ni modulation. Les images viennent de la culture de masse : publicités, emballages, bandes dessinées, portraits de célébrités, produits de consommation. La sérigraphie est la technique de prédilection de Warhol, qui permet justement cette répétition mécanique. Lichtenstein travaille à la peinture à l’huile en simulant la trame d’impression industrielle. D’autres utilisent le collage, l’acrylique, ou des matériaux directement issus de l’industrie.
Ce que le pop art remet en question, c’est l’idée que l’art doit traiter de sujets nobles, être unique et réservé à une élite. En utilisant une boîte de soupe ou une vignette de bande dessinée comme point de départ, les artistes du mouvement cassent cette hiérarchie. Ils ne célèbrent pas forcément la société de consommation : ils l’observent, parfois avec ironie, parfois avec neutralité complète.
Le pop art en France : le courant des Nouveaux réalistes
La France n’a pas produit de pop art au sens strict, mais un courant proche a émergé en parallèle : le Nouveau Réalisme. Fondé en 1960 par le critique Pierre Restany et le peintre Yves Klein, ce groupe réunit des artistes comme Arman, Jean Tinguely, Jacques Villeglé, Raymond Hains, Niki de Saint Phalle ou Alain Jacquet.
Leur démarche touche au pop art par certains aspects : intérêt pour les objets du quotidien, récupération d’images publicitaires, critique de la société de consommation. Mais le traitement est souvent plus politique, plus engagé que chez les Américains. Villeglé et Hains travaillent avec des affiches lacérées arrachées dans la rue. Arman accumule des objets usagés dans des vitrines.
En France, on peut aussi mentionner Hervé Télémaque, d’origine haïtienne, dont le travail mêle culture populaire américaine et engagement anticolonial, ou Alain Jacquet, connu pour ses « camouflages » qui reproduisent des œuvres classiques en trame de points inspirée de Lichtenstein.
Pop art contemporain : un mouvement qui continue
Le pop art n’a pas de date de fin officielle. Des artistes continuent aujourd’hui à travailler dans sa lignée, en France et dans le monde. Le street art, notamment, entretient un lien direct avec lui : Keith Haring avait lui-même commencé dans la rue, et des artistes comme Banksy ou Shepard Fairey reprennent des codes pop dans un contexte urbain.
Des peintres contemporains français s’inscrivent aussi dans cette filiation, en travaillant sur les images de la pop culture actuelle : séries télévisées, réseaux sociaux, marques globales. La question que le pop art posait dans les années 1960, celle de la place des images de masse dans l’art, reste ouverte.
Les artistes français contemporains proches du mouvement, montrent que cette esthétique s’adapte à chaque époque sans perdre ses fondamentaux : couleurs vives, culture populaire, rapport direct au regardeur.
